The intimate, skinned contact the body holds to clothing has been an inexhaustible source for the fetishization of fashion, namely for teaming sexual arousal and pleasure with particular items. Because of their power to formally structure, to cut upon the body in the same way retailed costumes did, not to mention their sexual affiliation, restrictive type of clothing used in games of discipline and levels of pleasure (mostly sado-masochism) were especially the ones swept out of the private and developed into a popular inspiration stance. Repeated over and over again they became nothing more than stereotype posters, the well-known cliché of provocative fetish fashion. Today more than ever, sex is anything but obscene, with stiletto hills, dominatrix and “bite marks”, sexual contriving behaviour, symbolic out worn sex, lingerie, red lips and black leather, as a long time influential paraphernalia in designing the body.
Lidewij Edelkoort, renowned trend forecaster and curator, has set herself a high-demanding task with the curatorial project for the 2013 edition of the Fashion Biennale Arnhem, in outlining a much diverse visual agenda of the relation fashion and fetishism bestow. The release of her book, Fetishism in Fashion, edited by Philip Fimmano, the co-curator of the Biennale, was also a joined-up. Published by FRAME in a hard-cover edition, with a rubber band to hold it tight and a pink silky reading mark between its pages, the book certainly makes for a first impression. While most of the materials that usually accompany such events are pointing to the artistic works enclosed by exhibitions, Fetishism in Fashion turned out to be a curatorial project in itself, without falling into the form of a classical catalogue. The work as envisioned by Edelkoort keeps a good track of the medium of display as a different space, so she manages to create a shifting imaginarium activated by a mixture of essays, text scraps and images, where the main unfolding stands in the power of fetish’s hybrid understandings. The main bridge between the projects is confined by the series of 13 perspectives over fetishisms in fashion, the guidelines for the exhibition as well. Merging nudism and sado-masochism to infantilism, niponism, spiritualism and shamanism, nomadic dwellers, romantic and legend attitude inspiration, regionalism, consumerism, nomadism and patriotism, all these ignite marks for soon to be fashion trends. But the body of work is not constricted to naming or including designers, artists and writers in such categories, it rather lets them transit fashion’s open-ended space freely. Thus, more than granting an interpretation key, the book faces a myriad of intertwined features, spelled out in fascinating visuals that exceed prevailing fetish illustrations.
L'intimo, il contatto pelle il corpo tiene a vestiti è stato una fonte inesauribile per la feticizzazione della moda, in particolare per teaming eccitazione sessuale e piacere con elementi particolari. A causa del loro potere di formalmente struttura, di tagliare sul corpo nello stesso modo in costumi venduti al dettaglio hanno, per non parlare di loro appartenenza sessuale, tipo restrittivo di indumenti usati nei giochi di disciplina e di livelli di piacere (per lo più sadomasochismo) sono stati in particolare il quelli spazzati fuori dal privato e sviluppato in un popolare posizione ispirazione. Ripetuto più e più volte sono diventati nient'altro che manifesti stereotipo, il noto cliché di provocatorio della moda fetish. Oggi più che mai, il sesso è tutt'altro che osceno, con le colline a spillo, dominatrice e "segni di morsi", comportamenti escogitare sessuali, simbolici Sesso consumato, biancheria, labbra rosse e pelle nera, come un lungo tempo armamentario influente nella progettazione del corpo.
Lidewij Edelkoort, trend forecaster di fama e curatore, si è posta un compito di alto esigenti con il progetto curatoriale per l'edizione 2013 della Biennale Moda di Arnhem, nel delineare un molto vario programma visivo della moda relazione e il feticismo dare. L'uscita del suo libro, Feticismo in Fashion, a cura di Filippo Fimmano, il co-curatore della Biennale, è stato anche un-up uniti. Pubblicato da TELAIO in edizione con copertina rigida, con un elastico per tenerlo stretto e un segno di lettura di seta rosa tra le sue pagine, il libro fa sicuramente per una prima impressione. Mentre la maggior parte dei materiali che di solito accompagnano tali eventi siano rivolte alle opere d'arte racchiuse da mostre, Feticismo in Fashion si è rivelata un progetto curatoriale di per sé, senza cadere nella forma di un catalogo classico. Il lavoro come previsto da Edelkoort mantiene una buona traccia del mezzo di visualizzazione come uno spazio diverso, così si riesce a creare un immaginario spostamento attivato da una miscela di saggi, scarti di testo e immagini, dove i principali stand dispiegarsi nel potere di fetish di intese ibridi. Il ponte principale tra i progetti è limitata da una serie di 13 punti di vista nel corso feticismi della moda, le linee guida per la mostra pure. Unione di nudismo e sadomasochismo per l'infantilismo, niponism, lo spiritualismo e sciamanesimo, gli abitanti nomadi, romantico e leggenda ispirazione atteggiamento, il regionalismo, il consumismo, il nomadismo e il patriottismo, tutti questi marchi per accendere presto saranno le tendenze della moda. Ma il corpo di lavoro non è costretto a nominare o comprendente designer, artisti e scrittori in tali categorie, piuttosto li lascia spazio aperto della moda transito liberamente. Così, più che la concessione di una chiave di lettura, il libro affronta una miriade di caratteristiche intrecciate, enunciato in immagini affascinanti che superano le illustrazioni fetish prevalenti.
With great fashion houses now fading in the light of massive image dispersion making visible other practices going on in the fashion scene, other provocative and disruptive representations have started to come forth in a salient way. Such a context makes for a fertile ground in re-thinking the relationship between body and fashion artefacts, and Lidewij Edelkoort draws attention to some influential and interesting aspects. In constructing such a scenario her main endeavour falls on our encounter with the materiality of objects, part of it due to present tactile turn, from touch-screen to touch-sensitive fabrics, a tendency that builds-up our requests from objects. Now, design and adornments do not suffice, they have to be perfomative structures: they need a materialization that performs for us and dresses us in a performance to be seen by others concurrently. However, in this quest for new tactility, Edelkoort has sensed a more organic apprehension, both in the choices individuals make and in creative practices. Fetishism in Fashion looks at different ways of approaching fashion and the concept of fetish through the lens of these organic hints, a complex and productive dialogue revolving around Edelkoort’s opening statement that: “we’re all born in bondage, with a cord around our baby body. (…) This is where the human quest for other forms of connections and bonds starts; unable to replace it, we will try to re-enact or at least to remember the primal bond of life.” She thus accounts for the body to be something unfinished that always needs to find a counterpart, a kind of comfort zone, like the blanket little children hold on to, where comfort surely means something very different for each of us. At stake are the dress and fashion adornments, in their innate capacity to form and transform the body, the way they come to be meaningful to us. This “meaningful” as a personal response is where the idea of fetish gets its most powerful enactment from. And I must say, Edelkoort approaches a primarily human body through an exquisite use of fetish as an advocate for what attracts and drives us towards objects and imageries, along with their fleshy, sensed tone.
Con grandi case di moda ora dissolvenza alla luce della massiccia dispersione dell'immagine rendendo visibili altre pratiche in corso nella scena della moda, altre rappresentazioni provocatorio e dirompente hanno iniziato a farsi avanti in modo saliente. Una tale contesto fa per un terreno fertile in ri-pensare il rapporto tra corpo e della moda manufatti, e Lidewij Edelkoort richiama l'attenzione su alcuni aspetti influenti e interessanti. Nel costruire un tale scenario il suo sforzo principale ricade sul nostro incontro con la materialità degli oggetti, una parte di esso a causa di presentare loro volta tattile, dal touch-screen a toccare sensibili tessuti, una tendenza che si accumula nostre richieste dagli oggetti. Ora, la progettazione e ornamenti non sono sufficienti, devono essere strutture performativi: hanno bisogno di una materializzazione che esegue per noi e ci veste in una performance per essere visti dagli altri contemporaneamente. Tuttavia, in questa ricerca di nuova tattilità, Edelkoort ha rilevato una comprensione più organico, sia nelle scelte individui fanno e nelle pratiche creative. Il feticismo in Fashion guarda a diversi modi di avvicinarsi moda e il concetto di feticismo attraverso la lente di questi suggerimenti organici, un dialogo complesso e produttivo che ruota attorno dichiarazione di apertura del Edelkoort che: "Siamo tutti nati in schiavitù, con una corda intorno al nostro bambino corpo. (...) Questo è dove la ricerca umana per altre forme di connessioni e legami inizia; in grado di sostituirlo, cercheremo di ricostruire o almeno a ricordare il legame primordiale della vita. "Si spiega in tal modo per il corpo ad essere qualcosa di non finito che ha sempre bisogno di trovare una controparte, una sorta di zona di comfort, come la coperta bambini piccoli aggrapparsi, dove il comfort significa sicuramente qualcosa di molto diverso per ognuno di noi. La posta in gioco sono gli ornamenti vestito e della moda, nella loro innata capacità di formare e trasformare il corpo, il modo in cui vengono a essere significativo per noi. Questo "significativo" come una risposta personale è dove l'idea di fetish prende il più potente emanazione da. E devo dire, Edelkoort si avvicina a un corpo umano soprattutto attraverso un uso squisito di feticcio come un avvocato per ciò che attrae e ci spinge verso gli oggetti e immaginari, insieme al loro carnosa, tono percepito.
Beyond the preponderant sexual acknowledgement of fetish, which is an obsessive interest for particular objects, the curator’s understanding of it bears a much broader sense based on anthropological perspectives that provided its terminology. The cultural practice and historical trace of its appearance ground fetish as the term used by Portuguese, fetisso, to name African cult objects that held magical power. Once ingested or carried, these objects could give people some extraordinary personal powers and were capable of healing the body. To extrapolate, the objects become animated, filled/fuelled with energy. There is a catch to it, nonetheless: also according to anthropological suppositions, the way the body was dressed also combined an essentially magic feature, with pieces of clothing having different roles in order to attract positive animist energies and to guard the individual from ill omens. Dress, like fetishes, is then another example for the human ability to disengage objects from their practical role and invest them with figurative connotations (see Dani Cavallaro and Alexandra Warwick, Fashioning the frame. Boundaries, Dress and Body, 2001 p.109).
Al di là del riconoscimento sessuale preponderante del fetish, che è un interesse ossessivo per gli oggetti particolari, la comprensione del curatore di esso porta un senso molto più ampio sulla base di prospettive antropologiche che hanno fornito la sua terminologia. La pratica culturale e traccia storica del suo feticcio aspetto terreno come il termine usato dal portoghese, fetisso, solo per citarne oggetti di culto africani che hanno tenuto il potere magico. Una volta ingerito o portato, questi oggetti potrebbero dare alla gente alcuni straordinari poteri personali e sono stati in grado di guarigione del corpo. Estrapolare, gli oggetti si animano, pieni / alimentati con energia. C'è un fermo ad esso, comunque: anche in base alle supposizioni antropologici, il modo in cui il corpo era vestito anche combinati una funzione essenzialmente di magia, con pezzi di abbigliamento con ruoli diversi, al fine di attrarre energie animiste positive e per proteggere l'individuo dalla malaugurio . Abito, come feticci, è poi un altro esempio per la capacità umana di disimpegnarsi gli oggetti dal loro ruolo pratico e di investire con connotazioni figurative (vedi Dani Cavallaro e Alexandra Warwick, Modellare il telaio. Boundaries, abito e corpo, 2001 p.109).
It became a truism to speak of dress in terms of body substitute, likewise of fetish as surrogate for symbolic loss. So, both have the role to complete the body or, in magical acceptance, to heal it. From magical endowment, the shamanic figure is the next intrinsic mental correlation one can make, which has to do with our collective memory of past radiant individuals. The shaman performs rituals through which endowed objects are used to physically veil him and within this veiling to attain a close communion with natural and spiritual forces, but the objects are also a passage back to the community, to order. Rituals are neither more nor less than enactments, the reactualization of a primal event that can never be repeated. One should be reminded that a shamanic experience is both spiritual and bodily effected, and what is more, the ecstatic can be easily replaced by the orgasmic, in other words the sexual encounter is part of the object transfigurations too. However, fashion as is often perceived today rather orders, offers pregiven identity mouldings and proclaims what should the body feel in them. Nonetheless, between the ritualistic role objects/dress have in the shamanic experience and our new performative requirements from objects, Edelkoort makes the connection to a contemporary animism, where dress and fashion adornments still function as lucky charms, veiling, protection, invested with our own beliefs. Animal prints, natural materials, bio food, leather, textures and their bodily experience are reminiscent of a constant return to the environment and our organic bond with the animal. If we also take into consideration the role of fetisso in healing and completing the body, that could mean we feel threatened by our perception of a less corporal and much too holographic body.
E 'diventato un luogo comune parlare di vestire in termini di sostituzione del corpo, allo stesso modo del fetish come surrogato per la perdita simbolica. Così, entrambi hanno il ruolo di completare il corpo o, in accettazione magico, per guarirla. Dalla dotazione di magico, la figura sciamanica è la prossima correlazione mentale intrinseca si può fare, che ha a che fare con la nostra memoria collettiva degli individui radianti del passato. Lo sciamano compie riti attraverso i quali dotati gli oggetti sono usati per lo velare fisicamente e in questo velo di ottenere una stretta comunione con le forze naturali e spirituali, ma gli oggetti sono anche un passaggio indietro per la comunità, per ordinare. I rituali sono né più né meno che decreti, la riattualizzazione di un evento primordiale che non può essere ripetuto. Uno dovrebbe essere ricordato che un'esperienza sciamanica è al tempo stesso spirituale e corporale effettuata, e per di più, l'estasi può essere facilmente sostituito dal orgasmica, in altre parole l'incontro sessuale è parte delle trasfigurazioni oggetti troppo. Tuttavia, la moda come è spesso percepita oggi invece gli ordini, offre modanature identità pregiven e proclama che cosa dovrebbe sentire il corpo in loro. Tuttavia, tra gli oggetti di ruolo / vestito rituale hanno nell'esperienza sciamanica e le nuove esigenze performative dagli oggetti, Edelkoort rende la connessione a un animismo contemporaneo, dove ornamenti vestito e moda funzionano ancora fascino fortunato, velo, protezione, investito con la nostra credenze. Stampe animalier, materiali naturali, gli alimenti biologici, cuoio, texture e la loro esperienza corporea ricordano un ritorno costante per l'ambiente e il nostro legame organico con l'animale. Se prendiamo in considerazione anche il ruolo di fetisso nella guarigione e il completamento del corpo, che potrebbe significare ci sentiamo minacciati dalla nostra percezione di un corpo troppo olografico corporali e molto meno.
Resembling a trickster, the fetish in fashion/dress is then not the spiritual, nor the carnal, not good, nor evil, but an intermediate, the bridge between dividing worlds, the personal and the collective one, the carnal body and the symbolic, between what cannot be named but only felt, and the one which evokes and remembers it. The bond, the exchange is to be sustained in the way the “artificial”, manmade objects – manufactures – borrow human features similar to the way individuals assume the item’s. And it’s a relationship that certainly does not lack tension, since any borderline always involves negotiations and slips. Art (or lightly said any creative process), which historically resides in the same rituals that invest images and objects with figurative connotations and transfigure objects, is closely linked to the sameness of fetishes and dress/fashion. From this perspective, Edelkoort tracks creative acts in order to step into an active individual dimension, which also means that, among many other aspects, it brings with it a more or less obvious critique of mass production fashion.
The cards of the curator’s fetish are thus to be played between these two points: the objects of desire and the body’s reappropriation of multisensorial attributes, and she does so by stretching the line between fashion, art and the sensuous body.
Simile a un imbroglione, il feticcio della moda / vestito non è poi lo spirituale, né il carnali, non va bene, né male, ma un intermedio, il ponte tra mondi che dividono, il personale e quella collettiva, il corpo carnale e il simbolico, tra ciò che non può essere chiamato ma sentiva solo, e quella che evoca e ricorda. Il legame, lo scambio deve essere sostenuta nel modo in cui gli oggetti artificiali, "artificiali" - manufatti - prendere in prestito le caratteristiche umane simile al modo in individui assumere la voce del. Ed è un rapporto che di certo non manca la tensione, dal momento che ogni confine comporta sempre negoziati e scivola. Art (o leggermente detto che qualsiasi processo creativo), che risiede storicamente negli stessi riti che investono le immagini e gli oggetti con connotazioni figurative e trasfigurano gli oggetti, è strettamente legata alla identità di feticci e vestito / moda. Da questo punto di vista, Edelkoort tracce atti creativi al fine di entrare in una dimensione individuale attiva, che significa anche che, tra i molti altri aspetti, porta con sé una critica più o meno evidenti della moda produzione di massa.
Le carte del fetish del curatore sono quindi per essere giocato tra questi due punti: gli oggetti del desiderio e riappropriazione del corpo di attributi multisensoriali, e lo fa allungando il confine tra moda, arte e il corpo sensuale.
Therefore, the book is filled with metaphors of remarkable objects that evoke attachment to thebody, objects that structure it, elongate it, consume it, or let themselves be explored or embodied. Whether part of a creative process or just commonly used, the objects are the perfect milieu due to their ability to influence not only our body experiences, but also to shape our perception upon life. Depending on our everyday experiences, we share much more profound bindings and sometimes a conscious emotional attachment to objects, and then to discard them is a far more difficult task than it would seem at first glance. Along these lines, the curator attempts a restoration of the objects’ lost aura and brings back a sense of value.
Such a perspective is, I think, one of the leads for another advance of consumerism as Edelkoort foresees it. It is a consumerism that is not consumerism in fact, rather courses of actions infused with an awareness of fast production and its consequences. The practices that create corporal garments by using garbage as a prime material speak loudly about the need for fashion to recycle and recycle itself not only imagistically, but also materially, that is to slowdown the culture of waste. In Fetisso Plays Brand, Brand Plays Fetisso, Dawid Wiener makes a short excursion into the psychology of branding, where he explains how consumerism works with objects and individuals in the same way fetish objects supposedly did. Insomuch that fetisso were cult objects, they needed socially recognised rituals to enforce them, likewise consumerism uses ritualistic practices to express desires toward objects, with advertising as a tool for social agreement of their staged “value”. Same as fetisso, the brand promises to improve an individual’s persona through different objects, this time by making him achieve beauty or happiness, wealth and sexual attractiveness, content. If others can recognise the object’s abilities, they can also recognise them as extensions of the person with whom the object is associated. But as I mentioned earlier, if the point of attention has started to switch from glamorous fashion to other practices, then the ritualistic moves are also starting to place themselves out of the advertising imagery, namely into the everydayness, in the individual’s creative investments. Accordingly, other kinds of rituals can break the given identities – as standard image adopting –, the hailed critique on fashion, and insist on individual practices. This is also the idea that transpires in absurdism’s infringements, by accepting chaos, the un-order: to use what is at hand (what we already have), to play, that is to invent and initiate bonds, personal ones, depending on situations and events. If, on the one hand, already used objects or clothes have a history of their own, which we can trace or only imagine, and in this bricollage practice gets intertwined with ours, on the other hand, in everyday life, to use what you already have also means improvisation, and sheds light on how the symbolic and the actual function – utility – of an object can change from something to something else that seems more necessary in that moment. The outlandish theatrical mask absurdism could stir from such a play initiates a plethora of personae dramatis that has nothing to do with readable identities (those related to advertising and mass-media). This play also tackles an additional social issue, the hyper-visibility as form of surveillance. Mask in shamanic rituals is that which releases the individual from the order of social identities and transposes him somewhere else. In this sense, it also constitutes a get-away, even though this can also mean a literary retreat in fabrics/objects. For German artist Damselfrau, reinterpretations of burka in a highly decorative manner and with a twist of mexican death masks become exactly such hiding places. The mask states that there is something hidden which resists or protects the individual from the process of contemporary social ordering or exposure.
Pertanto, il libro è pieno di metafore di oggetti straordinari che evocano attaccamento alla thebody, oggetti che la struttura è, allungare esso, consumare, o lasciarsi esplorati o incarnata. Se parte di un processo creativo o semplicemente di uso comune, gli oggetti sono l'ambiente ideale per la loro capacità di influenzare non solo le nostre esperienze del corpo, ma anche a modellare la nostra percezione sulla vita. A seconda delle nostre esperienze quotidiane, condividiamo binding molto più profonde e, talvolta, una consapevole attaccamento emotivo agli oggetti, e poi a scartare loro è un compito molto più difficile di quanto sembrerebbe a prima vista. Lungo queste linee, il curatore tenta un ripristino di aura perduta degli oggetti e riporta un senso di valore.
Tale prospettiva è, credo, uno dei cavi per un altro anticipo del consumismo come Edelkoort lo prevede. Si tratta di un consumismo che non è il consumismo, infatti, piuttosto corsi di azioni infusi con la consapevolezza di produzione veloce e le sue conseguenze. Le pratiche che creano capi corporali utilizzando rifiuti come materia prima parlare ad alta voce sulla necessità per la moda di riciclare e riciclare se stessa non solo imagistically, ma anche materialmente, che è quello di rallentamento della cultura dei rifiuti. In Fetisso Plays di marca, marca Plays Fetisso, Dawid Wiener fa una breve escursione nella psicologia del branding, dove si spiega come il consumismo funziona con gli oggetti e le persone allo stesso modo gli oggetti feticcio presumibilmente fatto. Tanto che fetisso erano oggetti di culto, avevano bisogno socialmente rituali per far rispettare i loro riconosciuti, allo stesso modo il consumismo usa pratiche rituali per esprimere desideri verso gli oggetti, con la pubblicità come strumento di accordo sociale del loro "valore" messa in scena. Uguale fetisso, il marchio promette di migliorare personalità di un individuo attraverso gli oggetti differenti, questa volta facendolo realizzare la bellezza o la felicità, la ricchezza e l'attrattiva sessuale, contenuti. Se gli altri in grado di riconoscere le abilità dell'oggetto, possono anche riconoscerli come estensioni della persona con la quale è associato l'oggetto. Ma, come ho già detto in precedenza, se il punto di attenzione ha iniziato a passare dalla moda glamour ad altre pratiche, poi le mosse rituali stanno cominciando a mettersi fuori delle immagini di pubblicità, vale a dire nella quotidianità, negli investimenti creative dell'individuo. Di conseguenza, altri tipi di rituali possono rompere le identità date - come immagine standard adottando -, la critica ha salutato sulla moda, e insistere su singole pratiche. Questa è anche l'idea che traspare in violazioni di absurdism, accettando il caos, il non-ordine: di utilizzare ciò che è a portata di mano (quello che già abbiamo), a giocare, che è quello di inventare e di avviare legami, quelli personali, a seconda delle situazioni ed eventi. Se, da un lato, già utilizzato oggetti o vestiti hanno una storia di loro, che possiamo rintracciare o solo immaginare, e in questo bricollage pratica ottiene intrecciate con il nostro, invece, nella vita quotidiana, di usare quello che già significa anche l'improvvisazione, e mette in luce come il simbolico e la funzione di vero e proprio - di utilità - di un oggetto può cambiare da qualcosa a qualcos'altro che sembra più necessaria in quel momento. La stravagante absurdism maschera teatrale potrebbe suscitare da un tale gioco inizia una pletora di dramatis personae che non ha nulla a che fare con le identità leggibili (quelli relativi alla pubblicità e mass-media). Questo gioco affronta anche un problema sociale aggiuntivo, l'iper-visibilità come forma di sorveglianza. Maschera nei rituali sciamanici è quella che libera l'individuo dall'ordine di identità sociali e lo traspone da qualche altra parte. In questo senso, costituisce anche una fuga, anche se ciò può significare anche un rifugio letterario in tessuti / oggetti. Per artista tedesco Damselfrau, reinterpretazioni di burka in un modo altamente decorativo e con un tocco di maschere mortuarie messicani diventano esattamente tali nascondigli. La maschera afferma che c'è qualcosa di nascosto che resiste o protegge l'individuo dal processo di ordinazione sociale contemporanea o l'esposizione
Senza dubbio, il corpo fisico è sempre la pietra a terra per l'apertura, l'estensione e la ricorrenza. Come ne consegue, l'impegno più privato e intimo con la moda riguarda la pelle, fluidi corporei, e capelli. Vestito come seconda pelle non è sicuramente nuovo, ma nel colorito della Cultura, Edelkoort prevede un impatto molto più elevato e l'uso di pelle e tessuti simili, dalle membrane artificiali che avvolgono il corpo e si estendono su oggetti, per riconoscere e portare il proprio corpo la pelle in confidenza, scavare in un nudelepsy consapevole. Tale visualizzazione delle immagini trittico con opere di entrambi gli artisti e designer serve come un rito di passaggio illustrativo dal corpo all'oggetto. Primo pannello è protagonista Marcel van der Vlugt. La sua serie di fotografie della pelle Cartella colori parata corpi quasi nudi, con gli oggetti in dissolvenza il colore della pelle. Beige e bronzo tonalità, insieme con la sudorazione, ritagliate e corpi rivelano confermano per innescare una atmosfera molto carica e tensione. Senza cadere nel grottesco, la sessualità e l'erotismo ecco una dimensione molto carnale che li restituisce come intima e personale - torna alla sfera del privato - anche se, inevitabilmente, avviene tramite l'obiettivo voyeuristico. Poi, a uno stadio più violenta, la collaborazione di Jenny Saville con Glen Luchford nel chiuso contatto torns corpo dell'artista, preme al vetro, stampi di esso, mostrando allo stesso tempo le possibilità del corpo di essere a forma di e distorto. costruzioni geometriche della struttura fanno per un transito fluido l'ultima parte del trittico, che incapsula la pelle all'interno di una forma cuscino. Un corpo cuscino-like e un cuscino come un corpo si riversano avanti l'influenza corporea nella creatività. Ancora una volta un principio produzione etica viene portato in discussione, dal momento che gli oggetti di Studio Pepe Heykoop sono avvolti in tessuti scartati o trovati, i resti di altre pelli.
Without question, the physical body is always the ground stone for opening, extension and recurrence. As it follows, the most private and intimate engagement with fashion concerns skin, body fluids, and hair. Dress as second skin is definitely not new, but in The Complexion of Culture, Edelkoort envisions a much higher impact and use of skin and alike textures, from artificial membranes that enfold the body and extend themselves on objects, to recognizing and wearing our own body skin in confidence, delving into a conscious nudelepsy. Such a triptych image display with works of both artists and designers serves as an illustrative rite of passage from the body to the object. First panel is starring Marcel van der Vlugt. His series of photographs Skin Colour Card parade almost nude bodies, with items fading into skin’s colour. Beige and bronze tonalities, along with sweating, cropped and revealing bodies corroborate to trigger a highly charged and tensioned atmosphere. Without falling into the grotesque, sexuality and eroticism behold a much carnal dimension that restores them as intimate and personal – back to private sphere – even if, inevitably, it happens through voyeuristic lens. Then, on to a more violent stadium, Jenny Saville’s collaboration with Glen Luchford in Closed Contact torns the artist’s body, presses it to the glass, moulds it, simultaneously showing the body’s possibilities of being shaped and distorted. Geometrical frame constructions make for a fluid transit to the last part of the triptych, which encapsulates the skin within a pillow shape. A pillow-like body and a pillow like a body spill forth the corporeal influence in creativity. Once again an ethical production principle is brought into discussion, since Studio Pepe Heykoop’s objects are enveloped in discarded or found fabrics, the remains of other skins.
However, the more visually disturbing stances were found elsewhere, in two disparate works that also dealt with the transfer from human body onto objects, this time with an emphasis on hair. So commonly adorned, the ritualistic aspect of hair goes unnoticed in usual practices of grooming the body in everydayness. When fragmented or incorporated into other kinds of forming materials, as it happens in the photograph of a XIX-th century indian scalp with braided hair, or with Ma’ayan Pesach’s “tea party” miniatures (Food Stories Come Alive) – made from a mixture of bones, hair and skin –, they give rise to uncanny object representations. But even in this shape, both of them are reminiscent of something familiar, a glimpse upon a lived body compelled with something of a children’s play.
This feeling of intimacy extends itself also onto representations and fashion creations of evident erotic, pornographic or sado-masochist influence. Here the imaginarium is worked in a metaphoric and poetic state as to reverse the process of body objectification and that of standard representations. Not only the body but also the pieces that cover and linger on its surface are rendered in a confessional and melancholic play. Aoi Kotsuhiroi’s designs and visual constructions are probably the ones that unfold in a sophisticated manner such a process, and they also open up another door of perception. Melting fashion into photography, her designs are haunting and dream-like, blurred, styled with dark patches of skulls, corns and crow feathers. High heel shoes, head pieces and fragmented coverings are all bounded to the body with treads and knots reminiscent of Japanese bondage techniques; deliberately made from organic materials, they are body extensions. Sensations the environment and materials trigger in/on the body can be easily transformed in a haiku, becoming what in her words should be an “emotional pornographer”. In that high-awareness of body sensations the designer-artist constantly makes appeal to, the objects tied to the body are in fact proponents for a kind of contemplative stance. This transposing process is carried forward by Betony Vernon – designer, author of The Boudoir Bible and sexual anthropologist –, whose presentation of erotic sex-games jewellery is classy performed in fine art photography rules (obviously in black and white). It’s interesting since she makes an approach towards an aesthetic of love. Love which today hardly intersects with sex, all the more so as love is often related to tenderness, the sentimental. By mixing sex (the body) and love, Vernon exchanges the love for goods proclaimed in advertising into the love of/for the body. It is in this way that the love for body spreads on objects, which in return can offer pleasure (visual and bodily) whether they correspond or not to the usual pleasuring images we have of them via mass-media.
le posizioni più visivamente inquietante sono stati trovati altrove, in due opere diverse che anche trattate con il trasferimento dal corpo umano su oggetti, questa volta con l'accento sulla i capelli. Così comunemente ornato, l'aspetto rituale di capelli passa inosservato nelle pratiche consuete di governare il corpo in quotidianità. Quando frammentato o incorporati in altri tipi di materiali che costituiscono, come accade nella fotografia di un cuoio capelluto indiano secolo XIX con i capelli intrecciati, o con miniature "tea party" di Ma'ayan Pesach (Storie alimentari Come Alive) - fatto da un miscela di ossa, capelli e pelle -, danno luogo a rappresentazioni di oggetti misteriosi. Ma anche in questo forma, entrambi sono ricordano qualcosa di familiare, uno scorcio su un corpo vissuto costretto con qualcosa di giochi per bambini.
Questa sensazione di intimità si estende anche sulle rappresentazioni e creazioni di moda di evidente erotico, pornografico o di influenza sado-masochista. Qui il Imaginarium è lavorato in uno stato metaforica e poetica per invertire il processo di oggettivazione del corpo e quello delle rappresentazioni standard. Non solo il corpo, ma anche i pezzi che coprono e soffermarsi sulla sua superficie sono resi in un confessionale e giocare malinconico. I disegni di Aoi Kotsuhiroi e costruzioni visive sono probabilmente quelli che si svolgono in modo sofisticato di un tale processo, e si aprono anche su un'altra porta della percezione. Fusione di moda in fotografia, i suoi disegni sono inquietante e onirica, offuscata, in stile con macchie scure di teschi, calli e piume d'aria. scarpe tacco alto, pezzi di testa e rivestimenti frammentati sono tutti limitati al corpo con gradini e nodi che ricordano le tecniche di bondage giapponese; volutamente realizzati con materiali organici, sono estensioni del corpo. Sensazioni l'ambiente e materiali innescano nel / sul corpo può essere facilmente trasformato in un haiku, diventare ciò che nelle sue parole dovrebbe essere un "pornografo emozionale". In quella alta consapevolezza delle sensazioni del corpo del designer-artista costantemente chiama a raccolta, gli oggetti legati al corpo sono in realtà i sostenitori per una sorta di atteggiamento contemplativo. Questo processo di recepimento è portato avanti da Betony Vernon - disegnatore, autore di The Boudoir Bibbia e antropologo sessuale -, la cui presentazione di sex-giochi erotici gioielli è elegante eseguita in sottili regole dell'arte fotografia (ovviamente in bianco e nero). E 'interessante dal momento che rende un approccio verso un'estetica d'amore. L'amore che oggi difficilmente si interseca con il sesso, tanto più che l'amore è spesso legato alla tenerezza, il sentimentale. Con il sesso (il corpo) e l'amore di miscelazione, Vernon scambia l'amore per i beni proclamati nella pubblicità in amore / per il corpo. E 'in questo modo che l'amore per il corpo si estende su oggetti, che in cambio può offrire piacere (visiva e corporea) se esse corrispondano o meno le solite immagini Pleasuring che abbiamo di loro tramite mass-media.
Constant defiance of embedded representations likewise constitutes the high point in approaching the most sexualised fashion items: corsetry and shoes; it avoids traditional accounts and turns to more different perspectives and ironic voices. In contrast to high-heels imagery which are scattered all over the book, the elevation strings are cut down to basic. The juxtaposition of traditional costume and footwear engravings and new footwear creations call attention not only to the shoe’s restrictive character upon the sensed body, but towards something else, namely the revival of historical icons as an inspirational source. In this sense, it appeals to art history’s iconology since portraits have long been the medium for symbolic identification of dress. Hereby, representations afford another sense to fashion’s use of the past as tool in the creative process, fashioning a more assumed practice that tends to gradually withdraw from the contemporary circus of references or, at least, to highlight that there is a core for symbolic use that gets to be spread over uncharted territories. Even if they escape or mock familiar structures, designs are nonetheless reminiscent of traditional acceptance and reliquary, and we usually come to understand them as such.
Also in a provocative way, Valerie Steel’s essay over the misleading of fashion studies concerning laced-up corsetry, a garment which is neither strictly disciplinary nor just erotic, rather similar to underwear garments (often both, but in different levels), gets to be placed along Iris van Herpen’s experimental designs. However, the focus is not on objects per se, rather on the details, on manufacturing, in that visual promise of a tactile experience that lures us towards another skin, covered in pearls, reinforced, sculptured and mapped by stitches and patches, perfectly cut. It becomes a plate. You never know where the garment ends and the body starts, if the body is there or you only believe it to be there. Later inserts of Alexander McQueen’s designs, who along with Iris van Herpen is among the few star designers the book covers, stress this outstanding relation of garments and body; corsets which can be considered a moulded extension of ribs are transfigured in metallic spines and plates that can bring unsettling emotions as they outgrow the body. In a dark symbolism, McQueen covers the body with an imagined one, a feared one, comparable to fantastic medieval representations. But, the imaginative extension of the body is never without physical effects. Because it is always cast in materiality, it triggers sensations across the body or more often heightens the individual’s consciousness over his own body movements, sometimes through a restrictiveness that almost cuts the skin.
sfida costante di rappresentazioni incorporati costituisce allo stesso modo il punto più alto in avvicinamento gli articoli di moda più sessualizzati: corsetteria e scarpe; evita i conti tradizionali e si rivolge a più punti di vista diversi e voci ironiche. In contrasto con tacchi alti immagini che sono sparsi in tutto il libro, le stringhe di elevazione vengono tagliati a base. La giustapposizione di costume e calzature tradizionali incisioni e nuove creazioni calzature richiamare l'attenzione non solo al carattere restrittivo della scarpa sul corpo percepito, ma verso qualcosa d'altro, e cioè la rinascita delle icone storiche come fonte di ispirazione. In questo senso, fa appello a iconologia di storia dell'arte in quanto i ritratti sono stati a lungo il supporto per l'identificazione simbolica del vestito. Con la presente, rappresentazioni permettersi un altro senso per l'uso della moda del passato come strumento nel processo creativo, modellando una pratica più presume che tende a ritirarsi progressivamente dal circo contemporaneo di riferimenti o, almeno, per evidenziare che vi è un nucleo per l'uso simbolico che arriva a essere distribuite su territori inesplorati. Anche se fuggire o strutture familiari finte, i disegni sono comunque ricordano accettazione e teca tradizionali, e di solito arrivano a comprendere come tali.
Anche in modo provocatorio, il saggio di Valerie acciaio sopra la fuorviante degli studi di moda in materia di corsetteria cucita-up, un indumento che non è né strettamente disciplinare né solo erotica, piuttosto simile a capi di abbigliamento intimo (spesso entrambi, ma in diversi livelli), viene ad essere poste lungo disegni sperimentali di Iris van Herpen. Tuttavia, l'attenzione non è sugli oggetti di per sé, piuttosto sui dettagli, sulla produzione, in quella promessa visiva di una esperienza tattile che ci attrae verso un'altra pelle, coperta di perle, rinforzato, scolpito e mappati da punti e patch, perfettamente tagliato . Diventa un piatto. Non si sa mai dove finisce abbigliamento e il corpo inizia, se il corpo è lì o si credono solo per essere lì. inserti successive di disegni di Alexander McQueen, che insieme a Iris van Herpen è tra i pochi designer stella del copertine per libri, lo stress questo straordinario rapporto di capi di abbigliamento e corpo; corsetti che possono essere considerate un'estensione stampata di costole sono trasfigurati in spine metalliche e lastre che possono portare emozioni inquietanti in quanto troppo grande per il corpo. In un simbolismo oscuro, McQueen copre il corpo con uno immaginato, un temuto uno, paragonabile a fantastiche rappresentazioni medievali. Ma, l'estensione fantasiosa del corpo è mai senza effetti fisici. Perché è sempre fusa in materialità, si innesca sensazioni in tutto il corpo o, più spesso aumenta la coscienza dell'individuo sui propri movimenti del corpo, a volte attraverso un restrittività che quasi taglia la pelle.sfida costante di rappresentazioni incorporati costituisce allo stesso modo il punto più alto in avvicinamento gli articoli di moda più sessualizzati: corsetteria e scarpe; evita i conti tradizionali e si rivolge a più punti di vista diversi e voci ironiche. In contrasto con tacchi alti immagini che sono sparsi in tutto il libro, le stringhe di elevazione vengono tagliati a base. La giustapposizione di costume e calzature tradizionali incisioni e nuove creazioni calzature richiamare l'attenzione non solo al carattere restrittivo della scarpa sul corpo percepito, ma verso qualcosa d'altro, e cioè la rinascita delle icone storiche come fonte di ispirazione. In questo senso, fa appello a iconologia di storia dell'arte in quanto i ritratti sono stati a lungo il supporto per l'identificazione simbolica del vestito. Con la presente, rappresentazioni permettersi un altro senso per l'uso della moda del passato come strumento nel processo creativo, modellando una pratica più presume che tende a ritirarsi progressivamente dal circo contemporaneo di riferimenti o, almeno, per evidenziare che vi è un nucleo per l'uso simbolico che arriva a essere distribuite su territori inesplorati. Anche se fuggire o strutture familiari finte, i disegni sono comunque ricordano accettazione e teca tradizionali, e di solito arrivano a comprendere come tali.
The aforementioned darkish resonance belongs in fact to black fetish which is, so to speak, the thread, that kind of knot never to be undone, a constant reminder of the thanatos – death, the pain, and the scary fascination for unknown or maybe, the elegant as a death for fashion frills. But if we were to mix it with those numerous interventions over black culture, it becomes part of a search for a more lively and free felt body, like jazz era which found comfort in primitivism, in a burst of imagination and spiritual retreat. Such a statement is not without ground, since the book repeatedly makes account for contemporary types of new primitivism forms whether they are textually stated, or just by entailing visuals of rituals as well as some rough organic materials. Spirituality is brought back next to the body, not as an overdoing but as its complement.
By always making and unmaking bodies through odd and unusual analogies, the curator plays with the relation between perception as empathetic response, comfort stances and creativity. The ever present organic succeeds in underlining the diversity and a depth for the courses of our desires, bonding us together more often that we would like to admit it. It can be said that Edelkoort traces the body as a common bond, where the commodified body is not an opposition, a source of alienation that should be brushed away, but a point of departure to creativity.Il suddetto risonanza scura appartiene infatti al fetish nero, che è, per così dire, il filo, quel tipo di nodo mai essere annullata, un richiamo costante del thanatos - la morte, il dolore, e il fascino spaventoso per sconosciuto o forse, l'elegante come una morte per fronzoli moda. Ma se dovessimo mescolare con quei numerosi interventi sulla cultura nera, diventa parte di una ricerca di un corpo si sentiva più viva e libera, come era il jazz che ha trovato conforto nel primitivismo, in un impeto di fantasia e ritiro spirituale. Tale affermazione non è senza fondamento, dal momento che il libro fa ripetutamente conto per i tipi contemporanei di nuove forme primitivismo se sono testualmente dichiarato, o semplicemente comportando immagini di rituali così come alcuni materiali organici grezzi. La spiritualità è riportato accanto al corpo, non come un Strafare ma come suo complemento.
Con sempre fare e disfare corpi attraverso analogie strani e insoliti, il curatore gioca con il rapporto tra percezione come risposta empatica, consolate posizioni e la creatività. Il sempre presente organico riesce a sottolineare la diversità e la profondità per i corsi dei nostri desideri, ci incollaggio insieme più spesso che vorremmo ammettere. Si può dire che Edelkoort ripercorre il corpo come un legame comune, dove il corpo mercificato non è un'opposizione, una fonte di alienazione che dovrebbe essere spazzolato via, ma un punto di partenza per la creatività.
Ma anche così, Feticismo in Fashion tratteggia alcuni degli aspetti più vivi del feticismo senza trascinare o inquadrare le opere in quello che può essere definito il tradizionale accostamento della moda, il feticismo e l'erotismo, vale a dire sul punto di confino sessuale. Se in un primo momento ero un po 'perplesso per il suo uso apertamente del feticismo, così come le sue tracce a base organica, mentre approfondire l'umore del libro, è diventato sempre più chiaro che tale dipendenza è in realtà un contrappeso per la moda veloce catturati nelle rappresentazioni normali ; se glam perde slancio alla nicchia e progetti interconnessi artistici, la sostenibilità è diventata anche per un bel po 'di tempo un argomento altamente discusso e dibattuto nelle pratiche di moda. Quindi non c'è da meravigliarsi che l'organico è sotto i riflettori. Radici, attacchi, il riciclaggio (inteso come pratica etica) - questo significa fare uso delle storie e colpisce costituiti all'interno dei materiali - emanare una alternativa per l'epoca accelerationism.
Muoversi attraverso una serie di immagini e allusioni, le opere Lidewij Edelkoort ha raccolto e curato sono infatti una piattaforma di mediazione per le trasgressioni complesse individui stanno facendo dai loro corpi agli oggetti che a lungo per e viceversa. Al centro di tale rete, il corpo, e quello in modo in particolare, cessa di essere solo il manichino manipolato, ma la massima luogo dove interni ed esterni esperienze colli
Nonetheless, this constant mixture of elements caught in the creative process reinforces the old western perspective over fashion. Regionalism and patriotism were surely supposed to avoid such excursions, given that they shine light on local historic and cultural heritage. Yet, the Asian turn does not step out of the image-band of clichés, conforming to stereotype images we are all used to: niponism exemplifies the kimono as prime example for fetish folding and unfolding of materials, Asian beauty falls particularly on geisha, while infantilism makes reference to Japanese Lolita Doll looks. If, on the one hand, such a perspective is understandable should we consider today’s repetitive plethora of images inspired by Asian culture, on the other hand, the previously mentioned local appositions do niponism an utterly substantial disservice.
In a different key, but falling into the same trap of western-centrism, is Malu Halasa’s text and image archive, No Sex Please, We’re Syrian: Confessions from the Lingerie Drawer, an obvious presence due to heightened political attention Syria holds. The text makes for an entertaining reading, with funny and ironic notes which aim at unveiling Syrians’ sex life, to make a break through the so-called taboo of Arabic sexual restrictions. However, it puts such a repeated emphasis on their sexual “normal” activity and kinky lingerie that ends up by subduing oriental experiences to western cheeky lifestyle.
It’s also a pity that, even if the book treats the body and design at an experiential level, it misses out precisely the cyborgization, as the juxtaposition of the visceral body and the wired one, namely the frequent imbrication of technology and human body. As I’ve already mentioned, the curatorial endeavour tackles the paradigm of skin and identity in shapes of the body, but it is more connected to the idea of wraps-around, without approaching more futuristic representations or embodiments. Technology is mainly a tool, where the techno-body not only goes further with the sculptural task the garments hold, it also achieves a more symbiotic relationship with the body and its functions, extending its possibilities in terms of sensibility and communication skills. After all, it much resembles the way “fetisso” objects were supposed to render personal powers to the individuals embodying them. It goes from make-believe to make possible. From this point of view, it would have been interesting to see how humanity – because this is the key stone holding all fetishism’s connexions – could be discussed on the verge of fashion and prosthetisation as another defying of fashion images, something that could resemble a self-contained body.
But even so, Fetishism in Fashion sketches some of the most vivid aspects of fetishism without dragging or framing the works in what can be called the traditional juxtaposition of fashion, fetishism and eroticism, namely on the verge of sexual confinement. If at first I was a little puzzled by its overtly use of fetishism as well as its organic based traces, while delving into the book’s mood, it became clearer and clearer that such a reliance is in fact a counterpoise for fast fashion caught in standard representations; if glam loses momentum to niche and artsy interconnected projects, sustainability has also become for quite some time now a topic highly discussed and debated in fashion practices. So it’s no wonder that the organic is under spotlight. Roots, bindings, recycling (understood as an ethical practice) – this means to make use of the histories and affects comprised within materials – enact an alternative for the accelerationism era.
Moving through an array of visuals and innuendos, the works Lidewij Edelkoort has gathered and curated are in fact a mediation platform for the complex transgressions individuals are making from their bodies to the objects they long for and vice versa. At the core of such a network, the body, and the one in fashion in particular, ceases to be just the manipulated mannequin, but the utmost place where interior and exterior experiences colli
